La Composition en vidéo : apprendre les bases du Storytelling Visuel
- Quentin
- il y a 4 jours
- 4 min de lecture
Dans cet article, j'aimerais un petit peu changer et plus vous parler de la composition en vidéo, notamment de " storytelling visuel ". On parle beaucoup photo sur ce blog, cependant, vous pouvez tout de même trouver certains articles bien utiles qui vous serviront dans votre apprentissage de la vidéo. Je pense notamment aux différentes fréquences d'image (FPS), qui sont un point essentiel à comprendre pour maîtriser l'art du tournage. Aussi, n'hésitez pas à visiter l'article sur la composition photo, ça peut bien évidemment servir pour de la vidéo.
Dans ce court, je vais surtout vous donner des pistes, des bases, afin que vous puissiez commencer à raconter des histoires à travers votre caméra, et qui, j'espère, vous permettront de progresser dans ce domaine.
C'est parti ! 😉
La Composition en vidéo
Notre manière de percevoir une image est directement influencée par notre habitude de lecture et d’écriture. Cette logique guide la façon dont on interprète une scène, et donc, le message que tu transmets à travers tes photos et/ou vidéos. En avoir conscience, c’est pouvoir composer avec intention et donner du sens à chaque plan.
C’est précisément ce qu’on appelle aujourd’hui le Storytelling Visuel.
À noter : les conseils qui seront donnés ici peuvent bien évidemment servir en photographie. Pas uniquement en vidéo. C'est vrai qu'en vidéo, il y a le mouvement, alors ce sera plus simple pour imager mes propos, je vais beaucoup utiliser de screenshots de films.
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Le Storytelling Visuel
On peut faire passer beaucoup d'informations à travers une image, que ce soit par la composition, les mouvements de caméra, la colorimétrie ou la lumière.
Je vais donc te montrer comment utiliser les règles de composition pour influencer tes histoires et le message que tu veux faire passer. En occident, on lit de gauche à droite. Notre œil va donc naturellement analyser et lire une image de la même façon. On aura donc tendance à placer le sujet à gauche avec le regard vers la droite en laissant de l'air devant les yeux de notre personnage. C'est le cas de beaucoup d'interviews filmés de façon classique, ou de beaucoup de scène de films.
Ça permet de donner une impression d'ouverture. Mais cette règle est très souvent brisée parce qu'en changeant de côté, tu vas pouvoir exprimer un sentiment d'opposition ou d'oppression. Et pour accentuer cet effet, il te suffit de supprimer l'air devant le regard et de coincer ton personnage plus près du bord. C'est une composition qui est très utilisée dans les films dramatiques ou dans les interviews plus sombres comme sur des affaires criminelles par exemple.
La direction que prend ton sujet joue aussi sur ta perception des choses. Sur une ligne temporelle, un personnage qui se déplace vers la droite est spontanément perçu comme avançant, progressant vers l’avenir. À l’inverse, s’il marche vers la gauche, l’impression donnée est qu’il recule, qu’il revient en arrière. Le spectateur comprend alors qu’il est coincé dans sa situation, incapable d’évoluer. La composition et la direction que tu fais prendre à ton personnage vont donc exprimer ses émotions et son état d'esprit. Pour jouer sur les émotions et bloquer ton sujet dans un environnement, tu peux également jouer avec le cadre dans le cadre.
Ça, c'est une composition très connue, mais qui n'est pas seulement là pour faire joli (ça l'est, mais passons !). En jouant avec les portes, les fenêtres, du feuillage ou tout autre élément qui peut venir brouiller l'image, on apporte du contexte visuel. Utiliser le cadre dans le cadre, c'est une façon de jouer avec le voyeurisme du spectateur. Il regarde la scène loin du personnage. Donc selon l'élément choisi pour faire le cadre, tu peux soit créer du malaise, ou bien un sentiment d'impuissance sur les événements à venir. S'éloigner du personnage, c'est également une bonne façon de l'isoler en montrant l'étendue du paysage autour de lui. Pour ça, il suffit de placer ton sujet sur la ligne inférieure de la ligne des tiers et laisser le paysage prendre toute la place du cadre.
Bien sûr, on n'est pas obligé de tout calculer et de placer le personnage au millimètre près en suivant la règle des tiers. Vous comprenez tout de même l'idée.
En mélangeant ainsi plusieurs techniques de composition et bien tu peux créer un sentiment de solitude. Par exemple en plaçant ton personnage à droite dans l'immensité du décor.
Au contraire sur un plan plus rapproché, on va ajouter ce qu'on appelle un point d'intérêt hors champ. Pour ça, on va cacher une information importante au spectateur (désolé pour l'exemple choisi 😏) en la laissant hors du cadre. Le personnage va donc voir quelque chose que nous ne voyons pas, ce qui laisse la place à notre imagination. On a alors envie de savoir ce qui se cache hors champ et ça fait monter la tension.
Conclusion
Au final, quelle que soit la composition ou choix que tu fais, il faut pouvoir les justifier parce que la cinématographie ce n'est pas seulement faire de belles images. Il faut qu'elles aient un sens et surtout, qu'elles servent à une narration. La prochaine fois que tu élabores un plan, commence par réfléchir à l'idée ou à l'émotion que tu souhaites transmettre.
Inutile de vous dire (mais je le fais quand même), apprendre la vidéo, notamment ce fameux storytelling visuel prend beaucoup de temps. Avec une pratique et un entraînement rigoureux, je suis sûr que vous serez capable de faire des miracles avec vos créations audiovisuelles.
J'espère que cet article, relativement court, vous aura plu et surtout aidé !
Partagez le, ça fait toujours plaisir. 😉
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