Apprendre la photo - Les conseils pour débuter efficacement !
- Quentin
- 1 oct.
- 16 min de lecture
Salut 🫡, si vous me découvrez avec cet article, enchanté ! Je m'appelle Quentin, je suis un photographe & vidéaste indépendant d'aventures et de voyages, et surtout fan de photographies de paysage !
Si vous souhaitez apprendre la photo de manière simple, très accessible et relativement rapidement, vous êtes au bon endroit ! Non, ça ne sert à rien d'aller voir ailleurs 😏, c'est bien ici le meilleur Blog photo de l'univers !
Plus sérieusement, il y a effectivement beaucoup d'articles sur le blog, mais s'il n'en fallait qu'un seul pour commencer et apprendre vraiment les bases de la photographie, ça serait celui-là ! Je vous recommande les autres articles bien évidemment, mais si vous êtes vraiment débutant, ne vous prenez pas la tête et commencer avec lui. Pour appuyer certains de mes propos dans l'article, je vais indiquer des liens qui vous enverront directement vers d'autres articles comme j'ai l'habitude de faire, je vous les conseille seulement si vous maîtrisez déjà pleinement ce que nous allons voir dans celui-ci.
Après ça, je suis sûr que vous comprendrez les fondamentaux de la photographie, et que vous arriverez à sortir vos premières belles images ! C'est parti. 🤗
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Apprendre la photo avec des principes fondamentaux appropriés
Une photographie réussie ne se contente pas de montrer quelque chose, elle fait réfléchir. Ce qu’elle provoque chez celui qui la regarde compte bien plus que ce qu’elle représente réellement. Son rôle est d’éveiller la curiosité, de nourrir l’imagination, de déclencher des pensées et de susciter des émotions.
Peu importe que l’image soit « aimée » ou non : l’essentiel est qu’elle interpelle, qu’elle résonne, qu’elle bouscule.
Pour le photographe, l’objectif est avant tout de se faire plaisir. Pour le spectateur, c’est d’être stimulé, intrigué, et invité à imaginer. En tout cas, c'est ma vision de la photographie, notamment pour du paysage. 🤗
Commencer et apprendre la photo implique de se poser de nombreuses questions techniques. Voici un guide facile, accessible pour débuter et maîtriser la photographie.
Vous venez de craquer pour l’appareil photo de vos rêves ? Félicitations ! Mais ce n’est que le début : il va maintenant falloir apprivoiser ses réglages… et connaître quelques principes de bases, afin de vous épanouir dans cette pratique.
Quand on débute en photographie, on se pose mille questions techniques, et parfois on a l’impression qu’on n’y arrivera jamais. Pas d’inquiétude : vous êtes au bon endroit.
Cet article est là pour vous donner des réponses claires, vous aider à prendre confiance et surtout à mieux comprendre les bases et votre matériel.
L’objectif ? Vous faire progresser pas à pas. Car pour réaliser de belles photos, il suffit d’abord de maîtriser les bases essentielles avant de viser plus haut.
Bonne nouvelle : ces fondamentaux sont identiques, peu importe la marque ou le modèle de votre appareil photo.
Les bases indispensables pour se lancer dans la photographie
Une belle photographie de paysage (pas que d'ailleurs) se construit généralement à partir de divers éléments qui s'harmonisent pour créer un équilibre agréable dans le cadre. Cela peut s'avérer assez compliqué ou, à l'inverse, d'une simplicité qui peut prêter à confusion. Les éléments fondamentaux pour harmoniser la majorité des compositions sont les relations spatiales et la couleur, tandis qu'un choix précis des sujets est également crucial pour sublimer une image à son essence.
Quelles sont les étapes pour capturer une image de qualité ?
Quelles sont les règles à respecter pour obtenir un rendu de qualité ?
Comment apprendre et appliquer les réglages de base ?
C'est ce que nous allons voir ici. 😉 Commençons par la base, les bonnes façons de tenir son appareil + le choix du cadrage.
1. L'orientation de l'appareil : et du "cadre"
Le format horizontal (paysage) est celui qui se rapproche le plus de notre vision naturelle, car notre regard explore l’espace de gauche à droite. Il offre également une prise en main plus intuitive de l'appareil photo. C’est l’orientation idéale pour capturer des scènes d’ensemble : paysages, groupes de personnes ou scènes de rue. Elle apporte à l’image une sensation de stabilité, de profondeur et de distance.
Le format vertical (portrait) demande une prise en main un peu plus délicate de l'appareil, car il faut veiller à bien le stabiliser. Les bras s’alignent naturellement avec le corps et le regard parcourt alors l’image de haut en bas, ou l'inverse est aussi possible. C’est l’orientation idéale pour les portraits, l’architecture ou toute scène qui s’étire en hauteur. Elle apporte à vos photos une impression de proximité, d’action et de dynamisme.
Dans les deux cas, vous tenez votre appareil par le côté droit (généralement où il y a une poignée), et votre main gauche, elle, vient se caller sous l'objectif. Ne tenez pas l'objectif fermement, laissez simplement votre main plus ou moins ouverte, et venez poser l'objectif dessus. Ça vous fera une meilleure stabilisation.
Le point de vue
Débuter en photographie, c’est aussi apprendre à observer et à choisir son point de vue. La position du photographe par rapport à son sujet n’est jamais neutre : elle traduit ses intentions et ses émotions. Plus vous prenez de la distance, plus vous exprimez une certaine réserve vis-à-vis du sujet. À l’inverse, en vous rapprochant, vous instaurez une relation d’intimité, particulièrement importante en portrait.
N’ayez pas peur de bouger et de varier vos angles. Quelques pas suffisent parfois à transformer complètement le cadrage et à donner plus de force à l’image.
À hauteur d’œil : c’est le point de vue le plus neutre. Le sujet n’est pas déformé, les perspectives sont respectées. Idéal pour le portrait, notamment avec une focale entre 50 mm et 135 mm.
Plongée (au-dessus du sujet) : en orientant l’appareil vers le bas, vous créez une impression de domination et d’isolement. L’image perd en profondeur et les perspectives peuvent être écrasées.
Contre-plongée (en dessous du sujet) : en cadrant vers le haut, vous donnez au sujet puissance et grandeur. Ce point de vue met en avant le premier plan, mais peut également accentuer les déformations. Alors attention avec celui-ci.
Enfin, n’oubliez pas que le choix de la focale influence aussi la perception de votre image. Un grand angle accentue la profondeur de champ et les perspectives, tandis qu’un téléobjectif les aplatit et réduit la profondeur.
Pour en savoir plus sur les cadrages, notamment en portrait, je vous recommande cet article.
Les différentes valeurs de plan
Quand on déclenche, un élément essentiel entre en jeu : le cadrage. C’est à la fois la base de la mise en scène et l’un des aspects les plus déterminants dans la réussite d’une photo. Apprendre à cadrer fait donc partie des premières étapes incontournables pour progresser en photographie. Notez que je ne vous donne ici que les bases des bases, inutile de tout respecter à 200 %. Il est vrai que ces bases sont parfaites pour débuter et savoir plus ou moins comment cadrer.
Grand plan/plan général :
Ce cadrage permet de montrer le sujet tout en l’inscrivant dans son environnement. Il souligne sa place et sa relation avec le lieu qui l’entoure. Pour accentuer cette impression et obtenir une grande profondeur de champ, il est recommandé d’utiliser une focale courte type : grand et ultra grand-angle (oui avec mon exemple, le sujet n'est pas vraiment le minuscule personnage en fond, vous comprenez quand même le principe).
Plan d'ensemble :
Plus rapproché que le plan général, ce cadrage permet d’identifier clairement le sujet.
L’image accorde alors autant d’importance au sujet qu’à son environnement. Pour conserver une large zone de netteté, il est conseillé d’utiliser une focale courte, afin d’obtenir un maximum de profondeur de champ.
Plan moyen :
Dans ce cadrage, le sujet apparaît en entier mais de façon plus rapprochée. Il prend alors "le dessus" sur le décor, qui devient secondaire. Pour l’obtenir, deux approches sont possibles : utiliser une focale courte en vous rapprochant du sujet, ou au contraire une focale longue en restant à distance.
Plan américain :
Le plan américain cadre le sujet généralement à mi-cuisse. Son nom vient du cinéma western, où il était souvent utilisé pour mettre en valeur les revolvers des cow-boys. Ce cadrage met l’accent sur le sujet tout en réduisant la profondeur de champ. Pour éviter les déformations, il est conseillé d’utiliser une focale relativement longue plutôt qu’un grand angle. Le plan italien, moins connu, vient couper le ou la modèle au niveau des chevilles, voire un peu plus haut. C'est donc un cadrage plus large que l'américain.
Plan rapproché :
Ce cadrage permet d’isoler le sujet tout en mettant en valeur certaines zones spécifiques. En portrait, on distingue notamment deux types de plans rapprochés : le plan taille et le plan poitrine, qui mettent l’accent sur la partie supérieure du modèle, à partir de la taille ou de la poitrine.
Gros plan/Gros plan rapproché :
Ce cadrage met l’accent sur un détail du sujet, tout en excluant le décor. Il permet d’isoler une petite portion de celui-ci pour en révéler les spécificités. Pour les gros plans et très gros plans, un éclairage soigné est essentiel afin de restituer volumes, textures et détails avec réalisme.
2. Règle de composition : la règle des tiers
La règle des tiers trouve son origine dans la règle du nombre d’or, qui définit la proportion idéale du sujet dans une image. Ce principe repose sur des lignes imaginaires qui divisent le cadre en trois parties égales, horizontalement et verticalement. Ces lignes, appelées lignes de force, constituent la base du cadrage en photographie et en vidéo.
Avec le temps, vous finirez par visualiser ces lignes et points sans y penser lorsque vous composerez vos images. Pour vous aider, énormément de modèles d'appareils proposent de l'afficher sur l'écran avant la prise de vue. La proportion idéale à retenir est d’un tiers pour deux tiers. Ça veut dire que vous pouvez cadrer le sol de 2/3, et le ciel de 1/3 en plaçant une ligne sur l'horizon, ou inversement selon ce qui est le plus intéressant et ce que vous souhaitez montrer dans votre image.
Placer le sujet au centre de l’image crée souvent une symétrie trop évidente, qui peut rendre la photo statique et peu engageante. Il est donc préférable de positionner le sujet sur un tiers du cadre pour apporter dynamisme et équilibre.
Ces lignes se croisent en quatre points, appelés points forts, qui attirent naturellement l’œil. Placer des éléments importants du sujet sur ces points ou le long des lignes renforce l’impact visuel de l’image. À l’inverse, y placer des détails sans intérêt peut nuire à la composition et à la lisibilité du visuel.
Enfin, gardez en tête qu’il existe bien d’autres règles de composition que la règle des tiers. Vous pourrez explorer différentes approches pour enrichir vos images et trouver votre propre style.
Débuter en photographie, c’est apprendre à observer et à exprimer votre propre regard à travers vos images. Des études scientifiques montrent que notre œil suit souvent un cheminement commun lorsqu’il analyse une photo, influencé par notre culture. En Occident, on lit une image de haut en bas et de gauche à droite, suivant un parcours en forme de « Z ». Ce balayage explique pourquoi une photo avec des dominantes horizontales paraît plus apaisante, tandis que des dominantes verticales peuvent sembler plus fatigantes pour l’œil. Mais du coup, ça renforce le dynamisme, je trouve.
L’attention se porte naturellement sur certaines zones de l’image : les points forts ou le centre, mais aussi sur les zones comportant les formes les plus marquantes ou les éléments paraissant les plus proches. L’œil est également attiré de façon inconsciente par d’autres facteurs, comme la netteté, la présence d’un premier ou second plan, les diagonales, ainsi que les couleurs et leur intensité. Comprendre ces mécanismes vous aidera à mieux composer vos images et à guider le regard du spectateur.
Débuter en photographie, c’est aussi apprendre à maîtriser la composition d’une image. Pour qu’une photo soit agréable et harmonieuse, il faut équilibrer les différentes masses et volumes qui la composent. Les masses plus importantes attirent naturellement davantage l’attention que les plus petites. D’autres éléments influencent cet équilibre, comme la couleur des masses, la distance qui les sépare et leur position relative dans l’image. Il est donc recommandé de placer ces masses sur les points forts du cadre, tout en veillant à ne pas masquer des éléments essentiels.
Avec mon exemple juste au dessus, on observe que les éléments principaux du sujet se situent près des points forts de l’image. Les masses sont équilibrées : la petit église occupe la gauche, tandis que les barques et l'eau remplissent le bas et en plus, elles servent de ligne directrice. Les couleurs s’harmonisent parfaitement (tons vert et bleuté). Ça aussi, c'est important. Pour vous aider à harmoniser les couleurs, rien de plus simple, il suffit de photographier aux meilleures heures de la journée. Bien souvent en matinée et fin d'après-midi. C'est là que vous aurez les meilleures couleurs et contraste. Aussi, on peut également se servir d'outil de retouche comme Lightroom pour harmoniser tout ça en post-production.
Prenez votre temps pour la composition… C'est je trouve, ce qu'il y a de plus dur dans la photographie.
3. L'exposition
L’exposition d’une photo correspond à la quantité de lumière captée par le film (en argentique) ou par le capteur (en numérique) de l’appareil.
Cette quantité de lumière dépend de trois paramètres essentiels :
La sensibilité : elle définit la manière dont l’appareil perçoit et capte la lumière.
L’ouverture : elle contrôle la quantité de lumière qui pénètre dans l’objectif.
La vitesse d’obturation : elle détermine la durée pendant laquelle le film ou le capteur est exposé à la lumière.
Voyons un petit peu plus en détail ces paramètres.
La sensibilité ISO
La sensibilité se mesure en ISO. Elle indique la capacité du support photosensible (capteur en numérique ou film en argentique) à réagir à la lumière. Plus la valeur ISO est élevée (par exemple 3 200 ISO), plus l’appareil devient sensible à la lumière, ce qui réduit le besoin d’une forte luminosité pour obtenir une exposition correcte.
Il est recommandé de travailler avec la sensibilité la plus basse possible afin de limiter le grain (ou bruit numérique) sur vos photos. Dans des conditions lumineuses normales, une valeur de 100, 200 ISO est souvent suffisante.
À l’inverse, une faible sensibilité (par exemple 100 ISO) nécessite une grande luminosité pour assurer une bonne exposition. Une image correctement exposée doit conserver un maximum de détails, aussi bien dans les zones claires que dans les zones sombres.
L'ouverture du diaphragme
Lorsque la lumière pénètre dans l’appareil, elle traverse plusieurs lentilles séparées par le diaphragme. C’est en réglant l’ouverture de ce diaphragme que l’on contrôle la quantité de lumière qui atteint le film ou le capteur. L’ouverture influence non seulement l’exposition de l’image, mais aussi sa profondeur de champ (qu'on verra juste après). Plus l’ouverture est réduite (petit diaphragme), plus la zone de netteté sera étendue, offrant une grande profondeur de champ.
Inversement, une ouverture importante réduit la profondeur de champ (à focale constante), isolant davantage le sujet du reste de l’image. Sur un appareil photo, l’ouverture se note par des chiffres situés sur l’objectif : 1 – 1,4 – 2 – 2,8 – 4 – 5,6 – 8 – 11 – 16 – 22 – 32… Plus ce chiffre est élevé (11, 16, 22, 32…), plus l’ouverture se ferme et moins la lumière pénètre dans l’objectif. Il y aura très souvent un " F " devant ces valeurs.
L’ouverture du diaphragme est intimement liée au choix de la focale. La focale détermine le grossissement de l’image : plus elle est longue, plus on peut "zoomer" pour capter des détails éloignés. Cependant, elle influence aussi la perception des volumes et des perspectives. Les longues focales tendent à rapprocher les éléments du premier plan et de l’arrière-plan, réduisant ainsi le relief et la profondeur d'une scène. À l’inverse, les courtes focales élargissent le champ de vision, ce qui peut engendrer des déformations, comme dans le cas d’un objectif fish-eye. Alors, tous les grands et ultras grands angles ne déforment pas l'image, il y en a même (qui valent assez chers) qui ne déforme pas, ou alors quasiment pas.
La vitesse d'obturation
La vitesse d’obturation, ou temps de pose, correspond à la durée pendant laquelle le capteur (ou le film) est exposé à la lumière qui traverse l’objectif. Elle est contrôlée par l’obturateur et exprimée en secondes ou fractions de secondes : 1 s – 1/2 s – 1/4 s – 1/8 s – 1/15 s – 1/30 s – 1/60 s – 1/125 s – 1/250 s – 1/500 s – 1/1000 s – 1/4000 s, etc.
À sensibilité et ouverture constantes, plus la vitesse est rapide, moins la lumière entre ; à l’inverse, plus la vitesse est lente, plus la quantité de lumière augmente. La vitesse d’obturation influe donc directement sur l’exposition, mais aussi sur la manière dont le mouvement est rendu dans l’image. Une vitesse rapide fige le mouvement et offre une image nette et stable, tandis qu’une vitesse lente permet de traduire le mouvement avec des effets de filé ou de flou artistique.
Attention toutefois : avec une vitesse trop lente, il devient difficile de maintenir l’appareil parfaitement stable, ce qui peut entraîner du flou involontaire (flou de bougé). L’usage d’un trépied est donc recommandé dans certaines situations.
Généralement, une règle simple pour limiter le flou de bougé (votre mouvement à vous, photographe) est d'avoir la même valeur de vitesse par rapport à la focale utilisée.
C'est simple :
Si vous utilisez un 35 mm, évitez de descendre en dessous de 1/35 de seconde de vitesse. Pour être encore plus tranquille et si vous le pouvez selon les conditions de lumière, faites un x 2.
Donc avec un 50 mm par exemple, évitez de descendre en dessous de 1/100 de seconde. Ça bien sûr, c'est si vous shootez à main levée, sur trépied, vous serez tranquille ! 😉
La profondeur de champ
Débuter en photographie, c’est souvent connaître le terme profondeur de champ sans en comprendre réellement le fonctionnement. Pourtant, c’est un élément essentiel de l’image. La profondeur de champ désigne la distance comprise entre le premier et le dernier plan nets d’une photo. Elle permet de choisir quelles zones seront précises et quelles zones resteront floues.
Ce contrôle joue un rôle fondamental dans la mise en valeur du sujet, et donne un sens et une hiérarchie visuelle à l’image.
La profondeur de champ dépend principalement de deux paramètres :
La distance entre le photographe et le sujet, qui détermine la mise au point.
L’ouverture du diaphragme, qui influe sur l’exposition (en fonction de la focale choisie).
Ainsi, à ouverture et focale constantes :
Plus la distance entre le photographe et le sujet est grande, plus la profondeur de champ est importante (Plus net).
Plus l’ouverture du diaphragme est large, plus la profondeur de champ diminue, réduisant les zones nettes.
Inversement, une ouverture plus petite augmente la profondeur de champ.
Enfin, pour une même ouverture et distance, plus la focale est longue, plus la profondeur de champ diminue, et inversement.
Pour les portraits, une petite focale (par exemple 24 mm) nécessite de se rapprocher beaucoup du sujet pour obtenir une profondeur de champ suffisante, ce qui peut engendrer des déformations, notamment sur le visage. Une grande focale (comme 200 mm) offre une bonne profondeur de champ, mais impose de s’éloigner, ce qui peut poser problème. C’est pourquoi on privilégie souvent des focales intermédiaires, entre 50 mm et 135 mm, pour un portrait équilibré : elles permettent une profondeur de champ intéressante avec une ouverture moyenne, plaçant le photographe à environ 2 à 4 mètres du sujet.
Pour les paysages, les longues focales limitent le champ de vision et réduisent la profondeur de champ. Ça peut quand même être très intéressant à utiliser, j'en parle juste ici. Il faut alors fermer fortement le diaphragme pour compenser.
À l’inverse, un grand-angle, autour de 24 mm, élargit le champ de vision tout en offrant une grande profondeur de champ, même avec une ouverture moyenne.
Une fois ces paramètres maîtrisés, le photographe peut choisir précisément la netteté souhaitée et décider quels éléments mettre en valeur. Cela permet de guider le regard du spectateur, par exemple en structurant un avant-plan et un arrière-plan.
C’est à ce stade que l’on commence vraiment à parler de composition.
Notez que des éléments flous, placés sur les points forts ou sur les lignes de force de l’image, captent naturellement l’attention et renforcent le message que souhaite transmettre le photographe.
4. Les Contrastes et Couleurs
Le contraste d’une image désigne la différence de luminosité entre les zones les plus claires et les plus sombres. Une photo bien contrastée présente une large gamme de teintes intermédiaires, proches du noir et du blanc. Pour obtenir cela, il est essentiel que le photographe règle correctement l’exposition avant la prise de vue afin de capturer un maximum de détails et de nuances.
Le contraste dépend principalement de la quantité de lumière disponible lors de la prise de vue, ainsi que de sa direction. Une lumière intense (soleil fort de midi) génère des ombres profondes, tandis qu’une lumière douce (ciel nuageux) produit des ombres plus légères. Le positionnement du photographe par rapport à la source lumineuse joue donc un rôle déterminant dans la qualité des contrastes et des teintes.
Le choix du contraste influence fortement l’atmosphère de l’image. Des contrastes faibles transmettent une impression de calme et de douceur, alors que des contrastes marqués rendent l’image plus vive, expressive, voire plus dramatique.
Attention : en photographie, il est important de doser le contraste. Des contrastes excessifs peuvent saturer les couleurs et rendre les contours flous et "baveux", altérant ainsi la qualité du visuel. L’objectif est de trouver un équilibre qui permette de révéler les détails dans les hautes et basses lumières tout en donnant de la force et du dynamisme à l’image.
Il faut bel et bien avoir une bonne exposition dès la prise de vue pour favoriser un contraste agréable et réaliste à l'œil. Et pareil, pour de petites retouches, vous pouvez utiliser l'option pour booster ou diminuer le contraste en post-production sur Lightroom par exemple ou tout autre logiciel de traitement d'image. La courbe est aussi un outil incroyable, je devrais en parler un jour.
Dans la vie, et plus particulièrement dans la photographie, les couleurs ont un sens. C'est un sujet assez complexe, je vous recommande mon article sur la couleur dès que vous vous sentirez prêt à aller plus loin.
5. Pour aller plus loin
Avec ces conseils, vous avez déjà des bases solides pour votre pratique de la photographie.
Envie d'aller plus loin ?
Je vous recommande vivement de consulter ces divers articles, afin de vous perfectionner :
Une fois tout ça bien maîtrisé, n'hésitez pas à explorer le Blog, il y a un paquet d'articles pour apprendre et vous former à la photographie, et même à la vidéo.
En conclusion
Voilà de solides bases pour bien débuter en photographie !
Rappel important : aucune de ces règles n’est gravée dans le marbre. En réalité, les enfreindre peut être encore plus enrichissant. Mais pour savoir comment les contourner efficacement, il faut d’abord les connaître. Les règles de composition existent pour vous aider à comprendre ce qui transforme un simple cliché en une image captivante et mémorable. Il s’agit surtout d’expérimenter et de pratiquer afin de développer un style unique qui vous distingue.
En conclusion, je suis convaincu que ce tutoriel vous apportera un bon point de départ pour apprendre et progresser en photographie. Vous êtes maintenant prêt à réaliser de meilleures images. Mais soyons honnêtes : il faudra un peu de temps pour mettre tout cela en pratique. Prenez le temps de comprendre en profondeur les réglages, notamment la combinaison Diaphragme/Vitesse/ISO.
Étudiez le mode d’emploi de votre appareil jusqu’à en maîtriser les commandes instinctivement. Expérimentez, testez, et surtout… acceptez de faire des erreurs !
Un dernier conseil : gardez cette page en favori, elle vous sera précieuse. Et si vous voulez aller plus loin, je vous propose d'autres articles sur ce blog. Bonne lecture et bonne photos !
J’espère que cet article vous aura éclairé sur le sujet.
Partagez le, ça fait toujours plaisir. 😉
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